Taxi Driver

de Martin Scorsese

 

 

Contexte: Peut-être le meilleur film de tous les temps... Taxi Driver de Martin Scorsese s'inscrit dans la lignée des chefs d'oeuvre du septième art. Palmé en 1976, ce film est techniquement irreprochable et graphiquement sublime, si on ajoute à cela un jeu d'acteurs époustouflant, une psychologie poussée et une musique magnifique on ne peut qu'applaudir une pareille maîtrise et tout simplement admirer... On pourra citer aussi les Raging Bull, Mean Streets et New York New York pour le duo gagnant Scorsese-DeNiro. En plus de De Niro on aura le droit à une Jodie Foster totalement à ses débuts et à un harvey Keitel en maquerau... La totale.

 

Contenu: La première question qui vous trotte à l’esprit après le visionnage de Taxi Driver est “ comment Scorsese a-t-il pu convaincre des producteurs à lui signer un chèque, sachant que leur studio serait aux prises avec une scène de carnage (…), une prostituée de douze ans et un personnage à la psychologie très inconsistante ??? Rien que ça !!! ”. Mais la réponse est simple, ces producteurs ont du nez, ils ont flairé le mythe…

 

 

Bernard Herrmann ouvre le bal avec un générique aussi mystérieux que mystique pour, à la fin, laisser place à une âme qu’en sent esseulée dès la première scène. Il fallait s’en douter c’est un ancien du Viêt-Nam qui veut se mettre à conduire un taxi pour, selon ses dires, trouver un passe temps à ses insomnies quitte à être payé ! 

 

Au premier abord, le personnage a des problèmes d’adaptation. Travis a aussi des problèmes de communication, il ne sait structurer ses pensées qu’en un flot de paroles parfois dénué de sens.  

 

 

Travis à défaut de se sentir mal à l’aise, tente tant bien que mal à s’intégrer et choisit pour cela d’inviter Betsy, une créature de rêve, mais à chaque rencontre il ne peut qu’être lui-même refusant de paraître pour quelqu’un d’autre. Un personnage qui s’autodétruit peu à peu, mais qui se voit renaître aux yeux de son réalisateur, entrant dans une paranoïa indescriptible, voulant à un certain moment devenir un héros, ne se reconnaissant même plus dans un miroir…

 

La volonté de devenir un héros nait de l'incapacité de Travis de faire quelque chose de sa vie, il se rend compte que sa situation de spectateur prend le dessus et qu'il faut qu'il s'affirme, qu'il se prouve à lui même qu'il est vivant...

Le final apocalyptique, très cérebral a lui plus d'un sens...

 

 

Je vais m'arrêter là, il me faudrait bien plus qu'un blog pour pouvoir en parler.

Sanma No Aji (Le goût du saké) - 1962

de Yasujiro Ozu

 

 

 

    Contexte: Yasujiro Ozu est l'un des plus grands cinéastes asiatiques. Sa filmographie de 54 films de 1927 à 1962 est l'une des plus riches grâce à laquelle il est considéré comme l'un des maîtres de cet art aux côtés de Kurosawa, Mizoguchi et Imamura. Comme dans le néoréalisme italien Ozu essaye à travers ses oeuvres d'établir une critique de la société et la famille japonaise. Mais attention Ozu a suivi cette voie bien avant le mouvement italien, Ozu dit même à ce sujet que les occendentaux ne l'imitèrent pas dans ses oeuvres mais qu'ils le rejoignirent par leur propres moyens. Les 13 films réalisés de 1949 à 1962 sont tous considérés comme des chefs d'oeuvres, je citerai donc un "Tokio Monogatari" (voyage à Tokyo), "Banshun" (printemps tardif), "Bakushu" (été précoce), "Higanban" (fleurs d'équinoxes), "Kohayagawake no aki" (dernier caprice), "Ohayo" (bonjour) et biensûr "Sanma no aji" (le goût de saké) dernière ouvre d'Ozu.

 

    Contenu: Shouhei Hirayama est veuf et vit avec sa fille Michiko. Aucours d'une beuverie avec son vieux professeur Sakurna, ce dernier lui avoue qu'il a gâché la vie et la jeunesse de sa fille qui a passé ses jours à s'occuper de son père. Au début Hirayama est épris d'égoïsme et de peur de la solitude refusant l'idée de marier sa fille et de la libérer de l'emprise paternelle comme le lui a proposé un de ses amis lui proposant de ce fait un prétendant gendre. En voyant la fille de son professur Hirayama se résout enfin à marier sa fille. Petit problème Michiko est amoureuse d'un autre jeune homme lui même fiancé à une autre femme.

Delicatessen - 1991

de Jean Pierre Jeunet et Marc Caro

 

 

Contexte: Deux longs métrages ont été l'ouevre de la collaboration du duo Jeunet-Caro. Le premier fut "Delicatessen" et le second "La cité des enfants perdus". Toutes deux sont des oeuvres où l'esprit imaginaire est combiné avec le burlesque pour donner deux petits chef d'oeuvres aux nombreuses références dont "Brazil" de Gilliam et "Le docteur Mabuse" de Fritz Lang, où on sent bien l'apport d'imagination (Caro vient de l'univers de la BD) et la maîtrise filmique (Jeunet vient de l'univers de la publicité). "La cité des enfants perdus" fut aussi la dernière collaboration du duo , du moins sur un long métrage... Jeunet a aussi réalisé "Le fabuleux destin d'Amélie Poulain", passant donc des burlesques "Delicatessen" et "La cité des enfants perdus", au légendaire "Alien Resurrection" pour arriver à l'ambiance rose bonbon d'"Amélie" film dont la maîtrise, le récit et la beauté sont des références du genre. Dernier film en date de Jeunet "Un long dimanche de fiançaille", moi habitué des films sortant de l'ordinaire de Jeunet fut le premier surpris par ce film.

 

Contenu: Le film commence avec le générique le plus ingénieux qu'il m'ait été donné de voir, avec un thème particulier pour chacune des fonction de l'équipe. Une petite oeuvre d'art que ce générique. Commence ensuite le film, un immeuble dans un terrain vague, tout en bas une enseigne "Delicatessen" avec un petit (gros?) porc. Le boucher (propriétaire de l'immeuble) procure à ses locataires de la viande,  étrangement quelqu'un disparait en même temps. c'est alors qu'arrive un ancien Clown qui devient l'homme à tout faire de l'immeuble... Les temps sont difficiles, et l'impression d'un monde futuriste, apocalyptique, étrange, étonnant et burlesque est très bien portée à l'écran par le duo Jeunet-Caro. Un histoire qui se passe sous le regard de deux enfant de sept ans (Jeunet et Caro sont restés des enfants de sept ans? En tout cas pour ce film ils ont eu l'imagination des enfants de cet age, et pour le suivant aussi).

Short Cuts - 1993

de Robert Altman

 

 

Contexte: Robert Altman est décédé recemment (20 novembre 2006) en maître chroniqueur de la société américaine. Après avoir réalisé "Vincent et Théo" en 1990 avec Tim Roth (une petite biographie de Van Gogh), Altman de retour aux states découvre Raymond Carver et ses "nouvelles" (neuf en tout)... Le projet d'un film inspiré de ces nouvelles reste en suspens jusqu'au succés de "the Player" à Cannes. C'est là que Robert Altman met les dernières touches à un genre qui lui tient à coeur: Le Kaléidoscope à multiples personnages. On peut dire que l'expérience d'Altman avec ce genre évolue et la maîtrise de ses films n'en devient que meilleure. Après le "Nashville" de 1975 où on suit pas moins de 24 personnages, "Mariage" qui eut aussi un succés fracassant, "The player" qui rendit sa lueur à l'oeil d'Altman et enfin le chef d'oeuvre absolu du genre "Short Cuts". PS: Merci à Alain Delon d'avoir choisi "4 mariages et 1 enterrement" pour le César du film étranger au détriment de "Short Cuts", on voit bien lequel des deux a plus marqué le cinéma.

 

Contenu: D'après Raymond Carver, "Short Cuts" respecte totalment l'oeuvre et l'inspiration des nouvelles. Neuf nouvelles, neuf couples et un créé par Altman (Tess et Zoe), donc dix couples au total. On les suit à travers une caméra très objective, sans aucun parti pris, ni aucun contexte socio-politico-economique, concise, sensible... Les principes du genre furent définis par Tchekov et appliqués par Carver en littérature puis par Altman au cinéma. Le montage éclaté donne cette dimension d'oeuvre légendaire au film d'Altman.

Amores Perros - 1999

de Alejandro Gonzales Inarritu

 

 

Contexte: Alejandro Gonzales Inarretu, talentueux réalisateur de spots publicitaires, en est là avec son premier coup d'essai pour le grand écran. Le talent se confirme après le film "21 Grammes" et la maîtrise est réelle après l'oeuvre "Babel". Amoureux d'un genre spécial où on combine différents points de vues d'un même évènement, un genre à part dans le cinéma, mais déjà vu direz vous. Oui plusieurs réalisateurs ont déjà utilisé ce procédé (Kurosawa, Tarantino, Mireilles, Altman, Anderson ...) mais pour Inarritu ça en devient presque un art.

 

Contenu: Mexico de nos jours, ou comment un accident de bouleverse différents protagonistes issus de différentes classes sociales. Un mexico, rongé de l'intérieur par le fossé qui sépare les bourgeois des pauvres, est analysé par Inarritu sous forme d'un conte où les chiens ont une grande influence (amores perros=amours chiennes). La violence elle est bien utilisé, mais au contraire de Tarantino, elle n'est pas jouissive, on la méprise, on l'évite, on s'en défend, mais elle est là, toujours présente. Magnifique constat d'une jeunesse désorientée, d'un amour cherché et évité à la fois d'un temps qui change.

Metropolis - 1927

de Fritz Lang

 

 

Contexte: Suivant le courant expressionniste de l'allemagne des années 20, Metropolis est dans la lignée des films qui ont suscité les critiques, les commentaires et autres débats. En faisant des recherches, je suis tombé sur un article disant qu'Hitler et Gobbels avaient pour film de chevet le 'Metropolis' de Fritz Lang et qui'ils y ont peut-être puisé l'idée de 'la solution finale'. Eh bien oui, ça ne peut être que ça, mais de là à dire que c'est un film Nazi, non, oui... euh je ne sais pas trop (ça reste aussi à débattre)... Hitler aurait  même proposé à Fritz Lang le poste de directeur de la production cinématographique du Reich, mais Lang s'enfouit à Paris (pourquoi? parce que sa mère était juive... Malin le Fritz). Le comble c'est que sa femme (Théa Von Horbou), elle, adhère au parti Nazi, et tenez vous bien, Théa est la scénariste de Metropolis. Là on peut affirmer la manipulation du scénario, d'un compromis entre classes sociales à une collaboration entre classes sociales (politique oblige). Oui je sais, c'est un peu compliqué tout ça.

 

Contenu: Metropolis est une mégalopole Hightech, qui puise sa puissance et sa luxure de ses travailleurs qui habitent dans la ville basse et ce pour offrir le confort aux habitants de la ville haute (les dirigeants de la ville). La belle Marie habitant la ville basse tente de faire connaître la ville haute aux enfants des "travailleurs", c'est là que Freder, le fils de Joh Fredersen dirigeant de Metrpolis découvre les conditions extrêmes dans les quelles vivent et travaillent les "travailleurs".

 

Après que les oeuvres expressionnistes eurent fini de terroriser la population allemande avec les monstres démoniaques, Metropolis vient traiter le sujet du mal moderne, trouvant ainsi un autre moyen bien plus profond de toucher la sensibilté et l'intellect des spectateurs allemands.

 

Fritz Lang puise de sa formation d'architecte les plus beaux décors, aussi fabuleux que gigantesques, de Metropolis. La mise en scène elle aussi est magistrale avec des démarches hallucinés des travailleurs et des acteurs très convaincants.

 

Reste à dire que ce film est une véritable mine que qui ne s'épuise pas, d'où les réalisateurs qui suivèrent puisaient leurs idées. Quelques influences sont donc à noter.

 

"Modern Times" de Chaplin pour la condition des travailleurs.
"Star Wars" de Lucas, rappelez vous de C-3PO qui est la copie conforme de l'androïde de Metropolis.
"Alphaville" de Godard ou la ville de la technologie.
"Dark City" de Proyas ou comment mélanger du Kafka à du Metropolis.
"Pink Floyd" de Parker où la machine qui broye les enfants est inspirée de celle de Metropolis.
"Gattaca" de Nicol qui traite du clonage.

 

et encore plein d'autres mais aussi des mangas et films d'animation comme "Ghost in the Shell", "Metropolis".

Le Cabinet du docteur Caligari - 1920

de Robert Wiene

 

 

Contexte: Retournons un peu en arrière, plus exactement en 1912. Kandinsky, Klee et Marc forment le groupe du 'cavalier bleu' et ce fut la naissance d'un mouvement expressionniste qui marqua le théatre, la peinture et la littérature allemande. Ce mouvement fut une orientation vers l'art décalé et révolté et une déformation caricaturale de le réalité. Quelques années après l'humiliation allemande lors de la première guerre mondiale, le mouvement prit de l'ampleur touchant ainsi le cinéma d'un pays en crise, socialement perdu et politiquement instable. La première oeuvre expressionniste fût 'le cabinet du docteur Caligari', d'autres oeuvres ont suivi ensuite et le cinéma expressionniste existe encore de nos jours (clin d'oeil aux amateurs de Tim Burton mais d'autres grands s'y sont intéressé).

 

D'autres oeuvres que je conseille (allemandes biensûr):
M le maudit (Fritz Lang )
Faust (F.W Murnau)

Nosferatu (F.W Murnau)

Metropolis (Fritz Lang)

 

Contenu: Le docteur Caligari tient un stand dans une fête foraine pour présenter son somnambule qui prédit l'avenir, c'est alors que commence une vague de meurtres mystérieux.'Le cabinet du docteur Caligari' est l'oeuvre expressionniste par excellence avec ses décors à la géometrie instable, ses personnages sortis tout droit de l'enfer et aux traits hautement caricaturés, sa luminosité très contrastée utilisant beaucoup d'ombres et surtout avec son ambiance démoniaque. Bien que ce film soit avant-gardiste, son intrigue elle reste très bien travaillée avec plusieurs bouleversements dans le scénario (bien qu'étant muet). C'est grâce à ces oeuvres que j'aime le cinéma, des oeuvres qui font du cinéma un art.

Virgin Suicides - 1999

de Sofia Coppola

 

 

Contexte: Je n'ai encore présenté de film réalisé par une femme, j'ai choisi pour cela l'une des plus talentueuses. Fille de son père Francis Ford, la jeune cinéaste a écrit un scénario inspiré d'une histoire vraie. Qui d'autre que papa pour le produire? Plus sérieusement bien qu'elle fut épaulée par son père Sofia prouve avec son premier coup (de maître) qu'elle a du talent que "Lost in translation", quatre ans plus tard, ne fait que confimer.

 

Contenu: Les Lisbon (un père professeur de maths et une mère très puritaine) élèvent leurs cinq filles et ont apparemment une vie très paisible. Les apparences sont parfois trompeuses l'une de ces cinq beautés blondes se suicide. Commence alors une incompréhension entre parents et les quatre enfants restants sous les yeux de garçons qui se fascinent par ces filles. Le film bénificie d'une très bonne mise en scène (l'un des nombreux points forts), avec une caméra très légère qui filme souvent en intérieur, rendant de ce fait les sorties très significatives pour ces filles cloitrées. Le mystère de l'adolescence est très bien présenté dans ce film avec des incompréhensions, des coups d'humeur, des envies et une musique en apensanteur grâce au groupe AIR. Un petite oeuvre d'art moderne que je conseille vivement à ceux qui ne l'ont pas encore vue. 

 

Un magnifique air de "AIR" pour les nostalgiques: "Playground love"

 

Cris et chuchotement - 1972

d'Ingmar Bergman

 

 

Contexte: Je ne peux dire que c'est un blog sur le cinéma sans parler d'un des plus grands, à savoir Ingmar Bergman. Le réalisteur et metteur en scène suédois a consacré sa vie au cinéma et au théatre, celui ci possède en fait une filmographie assez exceptionnelle. Ses films les plus profonds sont pessimistes et tournants autour d'un thème général: "la peur de la solitude". Un des meilleurs exemples est "cris et chuchotements", une de ses oeuvres les plus esthétiques et les plus abouties avec "persona".

 

Contenu: Quatres femmes réunies autour de la mort. Karin et Maria rejoignent leur soeur Agnes très malade et sur le point de mourir. Dans ce château se relaient donc les deux soeurs au chevet de leur soeur malade aidées en celà par Anna la domestique. Quatre femmes, autant d'hommes, un couleur "le rouge", des dialogues poussés, des visages qui dansent, des cris, des chuchotements et surtout un très grand Ingmar Bergman. Le film est très insoutenable, et un simple visionnage peut marquer à vie.

L'incompris - 1967

de Luigi Comencini

 

 

Contexte: Il existe une catégorie de chefs d'oeuvres boudés à leurs sortie. Eh bien l'incompris en est un, il a été incompris en son temps. Ce film a eu droit à une seconde sortie dix ans plus tard. Et là un succès phénoménal l'attendait. Le monde découvrait alors que le cinema italien ne se limite pas à Rossellini, Visconti, Fellini et Pasolini.Il faut dire que la critique de la "belle pensée" était inimaginable en ce temps là...

 

Contenu: Andrea apprend la mort de sa mère par son père alors que son cadet, Milo, doit continuer à croire que sa mère est en vacances... Andrea souffre en silence à cause de la préférence du père pour Milo, malgré que les deux frères soient très liés...Un mélodrame d'une qualité telle que les mots ne peuvent décrire, un tableau psychologique peint par Comencini qui deviendra l'un des peintres les plus sensibles de l'enfance... Fallait me voir avec tous mes mouchoirs à la fin du film.